Авторское музыкальное самодеятельное творчество: история и современность

исполнители, для которых сочинение и исполнение песен не является

профессией, тоже могут создать произведения очень высокого класса. К

примеру, А. Дольский – известный автор-исполнитель, экономист, воспитанник

политехнического института – выступал с песнями собственного сочинения, и

это изначально не было его профессией. Через некоторое время Свердловская

киностудия предложила написать ему музыку к кинофильму на стихи Б. Брехта.

В последствии он становится артистом Ленконцерта. Иногда, становясь

профессионалом, автор ставит сочинение песен на поток, творческая

составляющая делается минимальной, а потом у этого автора появляются

произведения более низкого художественного уровня, чем сочинения многих

самодеятельных авторов.

Важнейшая составляющая авторской песни - это не слова и музыка, как

кажется на первый взгляд, а наряду с ними способы и приемы подачи.

Некоторые авторские песни достаточно бедны в и музыкальном, и в

стихотворном отношении. Напротив, многие песни современной эстрады, богатые

тембрально, звучащие с разнообразной гармонической палитрой, неплохими

текстами, исполняемые профессиональными музыкантами и певцами, не находят

поддержки у слушателя. Самодеятельные же песни перепеваются и «живут»

зачастую гораздо дольше, чем песни профессиональной эстрады, в большой

степени благодаря искренности подачи, моменту исполнения, периоду жизни,

связанному с песней. В авторской песне почти никогда нет противоречия

содержания песни и манеры исполнения. Это свойство присуще в большей

степени авторской песне, чем многим другим жанрам музыкального творчества,

а значит, несмотря на шероховатости с музыкальной и поэтической точек

зрения, оно будет пользоваться популярностью. Очень важно разрушить ту

«стену», которая отделяет исполнителя от слушателя. В АМСТ (в отличие от

эстрадного искусства) проблемы «стены» фактически не существует.

Появление письменности не внесло резких изменений в самодеятельное

творчество. Лишь с течением времени человечество осознало все плюсы точной

передачи информации в письменной форме. Несомненно, высокохудожественные

произведения создавались и до появления письменности. Например, в

Исландии, в начале IX века, существовала скальдическая поэзия, и лишь

спустя три века появилась письменность. Позднее, в X–XV вв., трубадуры,

миннезингеры, мейстерзингеры хотя и оставили многие произведения

записанными, но традиционно немало передавали изустно. Постепенно

распространялась письменность, а вместе с нею становилось известно все

больше имен авторов. Эпоха трубадуров, труверов и миннезанга является одной

из важнейших эпох в истории культурного развития человечества. Она –

необходимое звено в этом развитии, как необходимым звеном являются Средние

века вообще.

Слово трубадур произошло от прорвансальского глагола trobar (фр.

trouver), что значит «находить», «изобретать». Таким образом, слово

трубадур означает в буквальном переводе изобретателя, сочинителя песен. Под

названием трубадур понимают авторов-исполнителей XII–XIII вв., которые

слагали свои песни в основном на провансальском наречии. Известны имена

трубадуров: Рембо Оранский, Бертран де Борн, Гироде Борнель и др. (всего

более 500). С современной точки зрения трубадуры представляли собой нечто

среднее между профессиональными и самодеятельными авторами. Кроме того, со

времен Римский империи сохранились бродячие певцы – предшественники

трубадуров – жонглеры (в последствии менестрели). Исполняли свои песни

изначально на народном латинском языке. Песни были разнообразного

характера: лирические, повествовательные, комические, серьезные, духовные,

светские. Распевались они на площадях, на турнирах, в замках. Север Франции

породил так называемых труверов (название произошло от той же основы, что и

трубадуры). Если тексты песен трубадуров были по большей степени лирикой,

то труверов – эпосом. Труверы имели своих предшественников в кельтских

певцах, называвшихся бардами. Певцы эти составляли касту, или такое

замкнутое сословие, в котором сын наследовал дело своего отца. Они были,

подобно труверам, в последствии музыкантами и певцами и делились на

несколько категорий: одни из них были близки к друидам, или кельтским

жрецам, и воспевали в храмах при совершении жертвоприношений гимны во славу

своих богов, другие сопутствовали воинам и прославляли мужество героев,

часто во время пиров. Барды господствовали в Галлии, когда ее население

говорило на кельтском языке. В начале V века нашей эры вся Галлия (за

исключением Бретани и некоторых Пиренейских кантонов) говорила уже по-

латыни (народной латыни). Когда римское могущество иссякло, в Галлию вместе

с франками пришли новые певцы, распевавшие свои песни под аккомпанемент

арфы. Это были древнегерманские скальды.

По своему сущностному смыслу трубадуры, труверы, скальды, менестрели

и т. п. очень близки. Все они авторы-исполнители, говоря современным

языком. Разнится лишь время существование, место, варьируется темы песен.

Например, в средневековой Германии такие певцы назывались миннезингеры. До

нас дошло имя великого немецкого миннезингера Тангейзера (известного нам по

операм Вагнера). Более того, есть информация, что в Германии в Средние века

существовали своеобразные клубы, где ремесленники встречались для сочинения

собственных произведений (чем не прообразы современных КСП?).

АМСТ подразумевает создание синтезированного жанра, объединяющего

музыку и текст. Для такого объединения были необходимы инструменты, не

мешающие дыханию исполнителя, а значит, духовые автоматически не подходили

для такого творчества. К тому же инструмент должен был быть легким в

освоении, мобильным (небольшие размеры, вес), простым в обслуживании

(починка, настройка), доступным (широко распространенным, дешевым) и

главное – иметь высокие музыкальные возможности (диапазон звучания,

динамика, тембр, аккордовость). Явственно вырисовывается деревянный

струнный инструмент (имеющий 4 и более струн) небольших размеров -

прообраз современной гитары. Надо сказать, что требования, предъявляемые к

инструменту для АМСТ, во многом сохранились до сих пор.

В конечном итоге авторы-исполнители выбрали для себя в качестве

музыкального инструмента именно гитару. Она имела ряд неоспоримых

преимуществ перед другими музыкальными инструментами. Какой еще музыкальный

инструмент обладает одновременно мобильностью, легкостью исполнения

(разумеется, как аккомпанирующий), доступной ценой, распространенностью,

неприхотливостью, популярностью, а главное - чудесными тембровыми

характеристиками, способными передать все оттенки чувств и переживаний

автора? Фортепиано (тем более, рояль) - немобилен, прихотлив, дорог.

Гармошка – бедна и неинтересна по тембру: звучание резкое, слабая

возможность у исполнителя регулировать динамику звука, к тому же

воспринималась как кабацкий, т. е. непрестижный, плебейский инструмент.

Балалайка уже к началу XIX века из-за своей примитивности фактически была

вытеснена из народного быта гармошкой. Другие музыкальные инструменты еще

менее подходили авторам-исполнителям.

Относительно быстрое развитие струнных инструментов началось с XII

века. Наиболее древним их видом является крута. Она представляла собой

продолговатый ящик с закругленными углами. По бокам этого звучного ящика

делались выемки, но не слишком заметные. Рукоятка не была верхней

надстройкой корпуса, как мы видим это у гитары и скрипки, а приделывалась к

самому корпусу с обратной стороны так, что играющий на круте брал

инструмент за его дно. Для пропуска пальцев на переднюю деку круты, на

струны, в соответствующем месте ящика заготовлялись отверстия. Благодаря

этому левая рука, которой играющий держал инструмент, не была видна,

скрывалась им. Видны были только пропущенные в отверстия пальцы. В правую

руку музыкант брал смычок (он делался и прямым, и сильно согнутым,

снабжался одной проволокой или пучком волос). Сначала крута была

трехструнная, затем – четырех-, и, наконец, число струн увеличилось до

шести.

Круту сменила рота. Она уже приближалась по форме к современной

виолончели. Над корпусом у нее находили шейку. Тут не было стеснения левой

руки играющего. И на круте, и на роте играли так, как теперь на виолончели.

Иное дело – виола. Та же рота, но уменьшенных размеров. Этот инструмент

прикладывался играющим к груди и подбородку, как это делают теперь со

скрипкой. Последняя, изобретенная в Италии, вытеснила из употребления

предшественницу. Вероятно, что название виола (то есть фиалка) произошло от

верхнего конца ее шейки, которому придавалась форма, напоминающее строение

фиалкового цветка.

В изобретениях этих инструментов и их усовершенствовании принимали

участие Англия (крута), Франция (рота) и Италия (скрипка). Кроме указанных

инструментов, бывших в руках жонглеров и трубадуров, шпильманов и

миннезингеров, часто упоминается еще гига (нет существенных отличий от

виолы).

В наше время основным, как уже сказано выше, инструментом, используемом

в АМСТ, является гитара (от греческого кифара). Инструменты, называемые

гитарами, известные в Испании с XIII века, отличались большим разнообразием

конструкций. Прообразы гитары – древняя арфа и лютня. Непосредственными ее

предшественниками считаются несколько переходных форм: греческая кифара,

лира, итальянская виола, испанская виуэлла. Современная гитара состоит из

деревянного корпуса с глубокими выемками по бокам и плоскими деками (на

верхней – круглое резонаторное отверстие), из шейки (на грифе 19 – 24

металлических лада), головки с колками, струн (шесть) – металлические или

нейлоновые (иногда используются двойные ряды струн – так называемая 12-

струнка). Обычная настройка: E – A – d – g – h – e. Звукоряд –

хроматический. Приемы звукоизлечения: щипок большим пальцем нижних струн,

указательным, средним и безымянным – верхних, бряцанье по всем струнам,

использование медиатора. В начале XIX века в центральной России и отчасти в

Польше получила распространение семиструнная гитара квартово-терцовой

настройки, так называемая русская: D – G – H – d – g – h – d. В нашей

стране эта гитара не забыта до сих пор. Многие известные авторы-исполнители

использовали и используют именно ее. «Но верю в семиструнную гитару», - пел

Ю. Визбор. Но, конечно, шестиструнка распространена гораздо больше.

В последнее время авторы-исполнители все шире используют электронную

музыку. Чаще всего так называемые синтезаторы различных фирм (Ямаха, Корг,

Роланд, Курцсвайл, Кассио и т. д.). Такие музыкальные инструменты имеют

клавиатуру, подобную фортепианной, нестатичное программное обеспечение -

они постоянно совершенствуются, расширяя свои тембровые возможности. Даже

человек с низким уровнем музыкального образования может достаточно легко

освоить синтезатор. Автор-исполнитель способен с помощью него изготовить

высококачественные фонограммы (минусовки) на любой доступный аналоговый или

цифровой носитель (3, 5 мм дискету, CD или MD и т. д.), не затрачивая

больших финансовых средств. Многие авторы традиционно используют на

концертах гитару, но при записи альбома применяют возможности синтезатора.

В последнее время для написания музыки все чаще используют компьютер. Для

этого необходимо иметь музыкальную программу (таких сейчас выпускается

очень много) и относительно высококачественную звуковую карту. Подобные

технологии изготовления фонограмм применяют как любители, так и

профессиональные композиторы. Грань, разделяющая самодеятельных авторов и

профессиональных в плане создания музыки, стирается.

Это доказывается и тем, что все чаше авторы-исполнители используют для

передачи творческого продукта слушателю весь спектр доступных им

музыкальных возможностей и не замыкаются лишь на гитаре.

Таким образом, мы проследили, что АМСТ имеет многовековые корни.

Выяснили, где, кто и когда занимался созданием и исполнением авторских

произведений. Определили, что АМСТ подразумевает создание именно песен,

т.е. поэтическая составляющая в музыкальном творчестве играет отнюдь не

последнюю роль, мы даже можем сказать, что музыка и текст - неразрывное

целое, создающее образ произведения. И отметили важную историческую роль,

которую играли и играют в АМСТ аккомпанирующие инструменты. Наглядно

продемонстрировали их эволюцию. Показали их бесспорное влияние на конечный

творческий продукт.

1.2. АМСТ в «советский» и современный периоды развития

Юлий Ким (известный автор-исполнитель), писал о возникновении

авторской песни так: «В 50-е годы на фоне надоевшей уже тотальной лжи, в

которой жило наше общество, естественно, возникла мощная потребность в

правде. И не удивительно, что за дело сочинения песен взялась сама

«публика», потому что у композиторов не было ни малейшего навыка, ни

малейшего опыта для выражения этих новых интонаций, которые зазвучали в

голосе нашего поколения. Графомания охватила всех... Произведениями же

искусства можно называть лишь более поздние песни. А тогда зазвучали

неслыханные ранее доверительные, личностные, искренние интонации, причем не

только в песне, но и в поэзии, и в театре» [18, 21].

Авторскую песню 40 - 50-х годов можно назвать самодеятельной.

Импульс к развитию данного направления дал музыкально-поэтический опыт

предыдущих поколений, возможно, в какой-то мере фольклор, городской романс.

Хотя, конечно же, у бардовской песни был новый стимул к творчеству, новая

социальная задача, новые формы, обусловливавшиеся политической ситуацией в

России. Несомненно, что бурный всплеск народного творчества произошел из-

за ослабления тоталитарного гнета, так называемой «оттепели».

Авторская песня рождалась в узком кругу самых близких друзей и

исполнялась не на большой сцене, а камерно. По словам Л. Гурзо: «Многие

барды впоследствии говорили, что они «вышли из дворов» в раннем периоде их

творчества» [48] (Михаил Анчаров, Юрий Визбор, Владимир Высоцкий). В силу

этих обстоятельств рождалась неподдельная искренность, которую не нужно

было афишировать. Да это было в то время еще и опасно.

Чаще всего песни бардов написаны в повествовательном стиле. Анчаров

писал: «Авторская песня - это не музыкальное явление, это музыка со словом.

Было время, когда менестрельное искусство ютилось у нас где-то на обочине,

существовало полуподпольно - полулегально, не получая подлинного признания;

ему сопротивлялись. Почему? Да потому, что авторская песня, в отличие от

бездумных эстрадных шлягеров, несет в себе слово. Ну, а слово-то это

вольное, неподконтрольное, неотредактированное. И многим оно не по

вкусу»[43].

Во второй половине пятидесятых – начале шестидесятых годов у русской

поэзии появилось новое, параллельное русло. Его создали «поющие поэты» —

авторы стихов и музыки своих песен, являвшиеся одновременно их

исполнителями (как правило, под аккомпанемент гитары). В одних случаях это

были профессиональные поэты, сочетавшие песенное творчество с созданием

непесенных стихотворений (Булат Окуджава, Александр Городницкий, Новелла

Матвеева). В других случаях — авторы песен, именно в этом жанре

реализовавшие свой поэтический талант (Юрий Визбор, Владимир Высоцкий, Юрий

Кукин, Евгений Клячкин и многие другие). Песни такого рода поначалу

исполнялись в дружеских компаниях, в туристских походах и геологических

экспедициях, зачастую они предназначались для узкого круга, и прямой

контакт исполнителя и слушателей создавал неповторимую, неформальную и

доверительную атмосферу.

Со временем некоторые из авторов песен начали выступать с публичными

концертами (чаще всего неофициальными или полуофициальными). Еще больше

расширили их аудиторию магнитофонные записи, сделанные как во время

публичных, так и во время домашних концертов. Внедрившиеся в быт

магнитофоны подорвали монополию власти на распространение звучащей

информации, которая до тех пор проходила только через радио, телевидение и

пластинки под строжайшим цензурно-идеологическим контролем. Как одна из

разновидностей неподцензурного «самиздата» сформировался так называемый

«магнит-издат». Поющих поэтов стали слушать (и петь) тысячи незнакомых им

людей по всей стране.

Вскоре начались споры о том, как обозначить, как назвать новое

общественно-художественное явление. Появилось выражение «самодеятельная

песня», возникли КСП (клубы самодеятельной песни), стали проводиться

многочисленные слеты и фестивали. В основе своей это было естественно

возникшее молодежное движение со свободно-демократическими принципами и

законами, однако власти пытались регламентировать работу клубов, навязать

слетам и фестивалям комсомольские вывески и лозунги. Это позже вызвало

неприятие термина «самодеятельная песня» со стороны независимо настроенных

участников движения, и прежде всего со стороны тех авторов, которые не без

оснований считали себя не «самодеятельными» сочинителями, не любителями, а

профессионалами в искусстве.

Когда поющие поэты появились на радио, то посвященная им передача

радиостанции «Юность» получила полушутливое наименование «Барды и

менестрели» (были использованы старинные западноевропейские названия певцов-

поэтов, о которых мы писали выше). Из этих двух слов в обиходе прочнее

укоренилось слово «бард»: им до сих пор продолжают называть тех, кто

сочиняет песни и сам исполняет их, аккомпанируя себе на гитаре (в этом

значении слово «бард» живет и в ряде иностранных языков). Однако самым

общепринятым стало выражение «авторская песня», впервые употребленное, по-

видимому, журналисткой Аллой Гербер (по другой версии В. Высоцким) на

страницах журнала «Юность». Это выражение приняли многие, его согласились

применить к своей работе такие лидеры и авторитеты АСМТ, как Окуджава,

Галич и Высоцкий. Поэтому понятие «авторская песня» (как вариант -

бардовская, что, в принципе, одно и тоже) дожило до нашего времени и даже

вошло в справочные издания.

Бесполезно теперь спорить с этим обозначением, придираться к его

внутренней смысловой противоречивости, к тому, что «авторскими», строго

говоря, являются все песни, за исключением фольклорных, поскольку у них

есть авторы музыки и стихотворного текста (допустим, Дунаевский и Лебедев-

Кумач). Любой термин несет в себе ту или иную степень условности,

соглашения между теми, кто им пользуется. Достаточно того, что под

выражением «авторская песня» большинство говорящих подразумевают

примерно одно и то же.

Обычно термин-название появляется позже, чем сам феномен, им

обозначаемый. Сложно указать момент возникновения жанра: некоторые

предлагают в этом качестве «Бригантину» Павла Когана и Георгия Ленского.

Наряду с «Бригантиной» к числу таких «первых ласточек» относят также песни

«Баксанская» (1943) А. Грязнова, Л. Коротаевой и Н. Персиянова на

известную мелодию Б. Терентьева, «Барбарисовый куст» (1943) Н. Моренца,

«Глобус» (1947) М. Светлова на мелодию М. Львовского. Некоторые напоминают

о Вертинском, а кто видит первого «барда» в Денисе Давыдове... Если

увлечься подобными ретроспективными поисками, то в конце концов можно

добраться и до древнегреческой поэзии, исполнявшейся, как известно, под

аккомпанемент кифары (предшественницы гитары). Но здесь необходимы разумные

пределы. Песня, как таковая, предшествовала рождению всех поэтических

жанров и является их общим источником. А тот тип песни, о котором у нас

идет речь, сформировался именно в годы так называемой «оттепели» и

отчетливо противопоставлял себя песням другого типа.

Авторская песня возникла как альтернатива «советской массовой песне» —

жанру тоталитарного искусства, создававшемуся композиторами, поэтами и

певцами. Среди деятелей литературы и искусства, работавших в этой области,

было немало талантливых людей. Но никто из них не был автором песни в

полном смысле слова. Композитор должен был порой класть на музыку

совершенно безразличные ему тексты. В других случаях стихотворец сочинял

слова на готовую ритмико-мелодическую схему. Не вполне свободны были в

выборе репертуара и певцы. Мы не беремся здесь оценивать достоинства и

недостатки, плюсы и минусы массовой песни (имевшей «общественно-

политическую» и «эстрадно-лирическую» разновидности) — это особая

эстетическая проблема. Но совершенно очевидно, что именно в противовес

такому типу песни та, о которой у нас идет речь, предпочла назвать себя

«авторской». Один человек сочетает в себе, как правило, автора мелодии,

автора стихов, исполнителя и аккомпаниатора — вот признак авторской песни

как культурного феномена. А доминантой здесь является стихотворный текст,

ему подчинены и музыкальная сторона, и манера исполнения. Между прочим, это

четко осознано музыковедами: «В связи с главенствующим значением текста

творцами авторской песни являются обычно не музыканты, а поэты» [3,5]. Мы

бы даже сказали, что еще не осознанно обществом в целом, и литературоведами

в частности, что поэзия второй половины ХХ века является продолжением

серебрянного и золотого веков русской поэзии.

Поскольку среди творцов авторской песни существуют те люди, которые

сочиняют и музыку, и текст, сами исполняют, то логично предположить, что

есть и такие, которые предпочитают что-либо одно или прибегают в чем-то к

помощи других. Так, например, Александр Городницкий сочиняет стихи,

мелодию, исполняет свои песни, но при этом аккомпанирует ему

кто-то другой. Авторскую песню сложно представить без Дмитрия Сухарева,

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7