Серия натюрмортов: Природа, поэзия и искусство - вечны

Серия натюрмортов: Природа, поэзия и искусство - вечны

МИНИСТЕРСТВО ОБЩЕГО И ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

ИЖЕВСКИЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ

Аксенова Ксения Евгеньевна

студентка 4 курса 341 группы

очного обучения «дошкольное образование»

Серия натюрмортов на тему:

«Природа, поэзия и искусство – вечны»

Дипломная работа

Научный руководитель:

А.В. Аникина

Ижевск, 2001

План

Введение

1. Актуальность выбранной темы

I. Основная часть:

1. Краткая история развития натюрморта как жанра живописи.

2. Серия натюрмортов на тему: «Природа, поэзия и искусство – вечны».

Этапы работы.

3. Организация педагогической работы по ознакомлению детей с

натюрмортом.

II. Заключение.

III. Библиография.

Приложение

I. Введение

Впервые за много лет у нас появляются направления, концепции,

ставящие целью возрождение культуры, приобщение всех детей к нравственным,

духовным ценностям, в частности, через искусство. Назовем некоторые

комплексные программы. «Мир вокруг нас» (Попова Т.И.) – программа игровой и

художественной деятельности предполагает полихудожественные формы развития

и воспитания детей, которая позволяет приобщить детей к искусству разных

видов, понять их истоки, приобрести базовые представления об отдельных

формах художественной деятельности; программа «Семицветик» (Ашиков В.И. и

Ашикова Е.Г.) предполагает то же самое. Программа художественно

–эстетического развития дошкольников (Т. Фокина и В. Хитрова) ставит

несколько задач: развитие эмоциональной отзывчивости на произведения

искусства, знакомство со всеми видами искусства, формирование умения

высказывать свое отношение, умение сравнивать, анализировать, обобщать и

т.д. Наиболее разработанные разделы по изобразительной деятельности и

эстетическому восприятию произведений изобразительного искусства, на наш

взгляд, есть в программах «Радуга» и «Детство».

Тема диплома: «Серия натюрмортов «Природа, поэзия, искусство –

вечны»» выбрана не случайно, она содержит в себе проблему. Проблемой

является то, что эта тема недостаточно разработана в контексте новых задач

эстетического развития дошкольников. Следует отметить, что эстетическому

воспитанию детей средствами изобразительного искусства, приобщению их к

прекрасному, долгое время придавалось лишь второстепенное значение. Прежде

всего стремились развивать у детей высокую мыслительную активность, а

духовное их развитие оставалось на втором плане. Как понятна в этом плане

тревога художника и педагога Б.М. Неменского, смысл которой заключался в

том, чтобы с раннего детства успеть воспитать у ребят «невосприимчивость к

художественным суррогатам, привить им против этого иммунитет, выработать

художественный вкус, эстетическую взыскательность, самостоятельность

суждений, понимание подлинного искусства.»

Особая роль в эстетическом воспитании принадлежит искусству.

Характерная особенность искусства – отражение действительности в

художественных образах, которые действуют на сознание и чувства ребенка,

воспитывают в нем определенное отношение к событиям и явлениям жизни,

помогают глубже и полнее познавать действительность. Влияние искусства на

становление личности человека, его развитие очень велико. Душа ребенка

предрасположена к восприятию прекрасного, ребенок способен тонко

чувствовать живопись. Эстетическое образование предполагает ознакомление с

разными видами искусства, накопление эстетических впечатлений и образов,

пробуждение интереса к произведениям искусства, первые шаги к осознанному

творческому процессу, воспитание грамотного зрителя, способность понимать,

созерцать и оценивать произведения искусства, воспитание видения

прекрасного во всех жизненных проявлениях.

Произведения живописи, богатые по своему идейному содержанию и

совершенные по художественной форме, формируют художественный вкус,

способность понять, различить, оценить прекрасное не только в искусстве, но

и в действительности, в природе, в быту. Живопись воссоздает все богатство

и многообразие мира. Средствами живописи воссоздается реальный мир с

пространственной глубиной, объемом, цветом, светом, воздухом.

II. Основная часть

1. Краткая история развития натюрморта как жанра живописи

Мир искусства многогранен. Одной из прекрасных его граней является

изобразительное искусство и, в частности, живопись. А одним из

интереснейших и своеобразных жанров живописи – натюрморт. Приступая к

работе над натюрмортами, возникла необходимость познакомиться с историей

жанра натюрморт, работами известных художников. Кратко остановимся на

истории натюрморта как жанра живописи.

Натюрморт как жанр живописи возник в Европе на границе 16-17

столетий, но его предыстория началась значительно раньше. Наряду с бытовым

жанром, натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в

котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские

добродетели. Однако великие мастера доказали, что вещи могут

характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца,

порождая, таким образом, различные ассоциации и социальные аналогии.

Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта – греческом

живописце Пернакосе, жившем в эллинистическую эпоху. Возможно, что его

картины послужили образцами для фресок в Помпеях. Это яркие и сочные

изображения цветов, фруктов, а также ритуальных сосудов, письменных

приборов, монет.

Наиболее распространенной разновидностью натюрморта является

изображение предметов домашнего обихода. Этот тип натюрморта, тесно

связанный с развитием бытового жанра, интерьера, пейзажа, ярко расцвел в

западно-европейском искусстве 17 века. Каждая национальная художественная

школа по-своему, самобытно решала эту проблему. Так, например, голландский

натюрморт 17 века поражает богатством тем. В каждом художественном центре

страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте – из цветов и

плодов, в Гааге – из рыбы. В Харлеме писали скромные «завтраки», в

Амстердаме – роскошные «десерты», а в университетском Лейдене – книги и

другие предметы для занятий науками и традиционные символы мирской суеты –

череп, свечу, песочные часы.

В натюрмортах относящихся к началу 17 столетия, предметы расставлены

в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картинах

детали наделены символическим значением: яблоки напоминают о грехопадении

Адама, а виноград – об искупительной жертве Христа. Раковина – оболочка,

оставленная когда-то жившим в ней существом, увядшие цветы – символ смерти.

Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскрешение. Таковы, например,

полотна Балтазара ван дер Аста (1590 – 1656 гг.)

У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают об

отвлеченных истинах, сколько служат для создания самостоятельных

художественных образов. В их картинах привычные предметы обретают особую,

не замеченную прежде красоту. Вид натюрморта, получивший название

«завтраков», приобрел наиболее совершенные и законченные черты в творчестве

живописцев харлемской школы Питера Класа и Виллема Хеды. Они стали

создателями национального натюрморта с изображением накрытых столов,

уставленных скромным набором предметов , типичных для семьи голландского

бюргера 1630 – 1640-х годов. Интимность, простота и серьезность этих

произведений отражают бытовой уклад, вкусы, симпатии и настроения первого

поколения голландского буржуа, выросшего в свободной, независимой стране.

Харлемский живописец Питер Клас (1597 – 1661 гг.) тонко и умело

подчеркивает своеобразие каждого блюда, бокала, горшка, найдя для любого из

них идеальное соседство. В натюрмортах его земляка Виллема Класа Хеды

(около 1594 – около 1680 гг.) царит живописный беспорядок. Чаще всего он

писал «прерванные завтраки». Смятая скатерть, перепутанные предметы

сервировки, еда, к которой едва притронулись, – все здесь напоминает о

недавнем присутствии человека. Картины оживлены многообразными световыми

пятнами и разноцветными тенями на стекле, металле, полотне («Завтрак с

крабом», 1648 г.)

Во второй половине 17 века место скромных «завтраков» Класа и Хеды

займут более богатые и эффектные «десерты» Адриана ван Бейерена и Виллема

Кальфа. На их полотнах изображены грандиозные пирамиды из дорогой посуды и

экзотических фруктов. Здесь и чеканное серебро, и голубой фаянс, и кубки из

морских раковин, цветы, виноградные гроздья, полуочищенные плоды. В этих

натюрмортах поражает любовное внимание к особенностям каждого предмета,

умение тонко сопоставить материал и фактуру, разнообразные композиции,

изысканные красочные сочетания, виртуозное мастерство в передаче каждого

предмета.

Резким контрастом к этим небольшим полотнам выглядят картины

фламандских художников того же времени. Это огромные декоративные

натюрморты с изображением сочных и спелых плодов, фруктов, битой птицы,

кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от

самых обычных до редких и экзотических пород. Автором этих картин был Франс

Снейдерс (1579 – 1657 гг.), а сами полотна составляют оригинальный и

своеобразный тип натюрморта, получивший название «лавки» («Рыбная лавка»,

«Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем»). Снейдерс с любовью и мастерством

передает цвет, форму, фактуру предметов, располагая дары природы в

неожиданных сочетаниях и при резком освещении, и объединяет их в роскошные

декоративно-целостные циклы картин.

Художественная доктрина классицизма отнесла натюрморт к числу

низменных жанров, однако именно в 18 веке во Франции появляются

великолепные полотна Ж. Б. С. Шардена (1699 – 1779 гг.). Мастер был знаком

с голландской и испанской традициями этого жанра, но его отношение к

натюрморту неповторимо и оригинально. Для своих картин он выбирал несколько

очень простых предметов («Медный бак», «Трубки и кувшин»), составляя из них

строгую и ясную композицию. Краски художника или яркие, или приглушенные,

на манер рококо. Шарден первым стал писать саму плоть, материю вещей их

подлинным цветом, вместо того, чтобы раскрашивать их.

Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине 19

века. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописном восприятии мира

вещей, решают проблемы свето-цветовых отношений, нередко трактуют натюрморт

как своеобразное декоративное панно.

Постимпрессионисты (П. Сезанн, В. Ван Гог, А. Матисс) в натюрмортах

акцентируют свежесть первого впечатления, разрабатывают сложные проблемы

композиционного и цветового решения картины. Необычайно колористическая

экспрессивность А. Матисса видна в работах: «Подсолнечники в вазах» –

теплая цветовая гамма; «Фрукты и кофейник» – холодная гамма; «Синий горшок

и лимон» – цветовая доминанта. П. Сезанн в своих натюрмортах великолепно

использовал свойства холодных тонов уходить в глубину, а теплых –

выдвигаться навстречу («Фрукты», «Натюрморт с яблоками», «Персики и

груши»). Он также утверждал, что «все в природе лепится в форме шара,

конуса, цилиндра…»; пространственное восприятие предмета зависит от его

цвета.

С начала 20 века натюрморт становится своего рода творческой

лабораторией живописи. Мастера фовизма идут по пути обостренного выявления

эмоциональных и декоративно-экспрессивных возможностей цвета и фактуры, в

то время как представители кубизма (П. Пикассо) утверждают новые способы

передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости,

расчленяют формы на простые геометрические тела, воспринятые с разных точек

зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, в затем вводят в картины

коллажи – различные присыпки, куски газет и другие материалы.

В зарубежном натюрморте середины и второй половины 20 века выделяются

работы итальянского живописца Д. Моранди, отличающиеся мягким

созерцательным настроением, ясными композиционными построениями, блеклой

цветовой гаммой. Социальные тенденции нашли отражение в экспрессивных,

скупых по подбору предметов произведениях мексиканцев Д. Риверы, Д.

Сикейроса, итальянца Р. Гуттузо.

Первые русские натюрморты – «обманки» – работы Г. Теплова и Т.

Ульянова появились в России в 18 веке. «Обманные» натюрморты, изображающие

развешанные по деревянной стенке предметы и книжные полки отличаются тем,

что художники стремились довести до предела иллюзию – зритель должен был

обмануться, принять изображение за натуру. Натюрморт рассказывал о круге

занятий художников-интеллигентов (чтение, музицирование, увлечение

искусством, деловая переписка) и просто о предметах быта.

В начале 19 века появилась мода на «ботанический натюрморт» – это

были натюрморты Ф. Толстого: «Ягоды красной и белой смородины», «Букет

цветов, бабочка и птичка». В конце 19 века – в начале 20 века натюрморт

выходит из жанра пейзажа. Художники восхищаются предметами не столько за их

собственную красоту, сколько за причастность к прекрасному, полному

воздуха и света миру. Новые натюрморты появляются из под кисти известных

пейзажистов, например; И. Левитан «Одуванчики»; И.Э. Грабарь «Хризантемы»,

«Ваза с флоксами»; К. Коровин «Натюрморт. Розы», «Сирень», «Букет на берегу

моря».

На начало 20 века приходится расцвет русского натюрморта. К. Коровин

и мастера объединения «Бубновый валет» создают мажорные, сочные

произведения, воспевающие полнокровную красоту бытия. Произведения Ильи

Машкова прекрасно демонстрируют особенности «русского сезаннизма». Его

натюрморты – это куски жизни, это предметы самые обычные, но поданные с

самой лучшей их стороны. В натюрморте «Синие сливы» художник стремился

передать сочную синеву плодов и их упругую форму. В других работах «Снедь

московская. Хлебы» мастер стремился привлечь внимание к красоте самих

красок – густых и очень ярких.

В советском искусстве 20-30 годов и в последующие годы над

натюрмортами работали такие художники: П. Кончаловский, А. Куприн, А.

Лентулов, М. Сарьян, А. Остернин, А. Герасимов. Своеобразные по манере,

отражающие существенные особенности современной эпохи, натюрморты были

созданы в 40-50 годах П. Кузнецовым, Ю. Пименовым. В 60-80 годах тяготение

к повышенной предметности изображения, стремление к эстетизации окружающего

человека мира вещей наблюдалось в натюрмортах В. Стожарова, А. Никич.

Весьма своеобразные натюрморты представителей поп-арта,

провозгласивших после засилья абстракционизма «возвращение к реальности».

Их работы воспроизводят предметы домашнего обихода, упаковку товаров,

детали машин и рассчитаны на многообразные ассоциации у зрителя.

2. Серия натюрмортов на тему: «Природа, поэзия и искусство – вечны». Этапы

работы.

Кратко ознакомившись с историей натюрморта, мы поняли, что этот

термин появился в начале 19 века во Франции и означает «мертвая натура».

«Натюрморт – это жанр, в котором художник выражает свое отношение к

действительности посредством изображения предметов, которые он объединяет

сначала в натуре, а затем на полотне смысловыми и эстетическими связями, не

обязательно обусловленными, жизнеподобными; бытовыми, пространственными

отношениями между этими предметами» (Г.К. Черлинка, «Натюрморт в советской

живописи» // Искусство, 1988 г., №5, с. 13).

Жанр натюрморта многогранен, его основной объект – интимная, частная

жизнь человека, его простые будничные дела и потребности, выраженные в

предметах – еде, питье, домашней утвари, элементах растительного мира,

произведениях прикладного и изобразительного искусства, объектах и

инструментах труда. Художник изображает внешний мир: форму, цвет, фактуру

предметов, плотность, мягкость, сочность, влажность, прозрачность,

хрупкость. Одна из основных тем жанра – тема любви к природе, тема её

познания и освоения, восхищения изобилием её даров, в бесконечной красоте и

разнообразии. Функция этого жанра – придать неизменность изменчивому,

закрепить нестойкую красоту, сдержать ход времени, сделать тленное вечным.

Это придает натюрмортам философскую глубину.

Творческий процесс над серией натюрмортов начинался не с первых

штрихов карандаша или мазков краски, а с задумывания и постановки

натюрморта, выбора его темы.

На выбор темы повлияло знакомство с натюрмортами: Клас «Завтрак», В.

Хеда «Ветчина и серебрянная посуда», И. Репин «Яблоки и листья», Е. Романов

«Цветы в интерьере», Г. Нисский «Сенеж. Синие сумерки», М. Кугач «Ветка

яблони», В. Мухина «Натюрморт с геранью», И. Ромадин «Северный интерьер»,

М. Шагал «Окно на даче», О. Бусыгина «Красный май», Е Кузнецов «Двенадцатый

этаж». А также знакомство со стихами:

Ф. Тютчева о весне:

«…Еще природа не проснулась,

Но сквозь редеющего сна

Весну прослышала она

И ей невольно улыбнулась…»;

об осени:

«… Пустеет воздух, птиц не слышно боле,

Но далеко еще до первых зимних бурь –

И льется чистая и теплая лазурь

На отдыхающее поле…»;

А.К. Толстого о весне:

«… Юный лес, в зеленый дым одетый,

Теплых гроз нетерпеливо ждет;

Всё весны дыханием согрето,

Всё кругом и любит и поет…»;

Д. Кедрина о зиме:

«… На окнах, сплошь заиндевелых,

Февральский выписал мороз

Сплетенье трав молочно-белых

И серебристо-сонных роз…»;

И. Бунина о зиме:

«…Зимним холодом пахнуло

На поля и на леса.

Ярким пурпуром зажглися

Пред закатом небеса…»;

Н. Грекова об осени:

«Приметы осени во всем встречает взор:

Там тянется, блестя на солнце, паутина,

Там скирд виднеется, а там через забор

Кистями красными повиснула рябина…»

Работы художников и стихи русских поэтов-классиков подтолкнули меня к

выбору основной темы – «Природа, поэзия и искусство – вечны».

После выбора темы начался этап эскизов – поиск изобразительного

решения обозначенной темы. Было решено, что это будет триптих под условным

названием «Осень, зима, весна». Затем начался предварительный анализ

натюрмортов, были сделаны эскизы-наброски на отдельных листах. Так как, на

наш взгляд, натюрморт вышел из жанра пейзажа, через пейзажное восприятие

мира, было решено, что главным связующим звеном будут окно и пейзаж за

окном. Началась проработка в эскизах композиционного решения каждого

натюрморта и его схематическое решение, а также поиски соотношения общих

масс предметов натюрморта, изучение характера предметов и уточнение

пропорциональных соотношений между частями отдельных предметов,

конкретизация формы. Наиболее удачные эскизы были использованы для работы

над этюдами.

Этюды – это работы, выполненные с натуры. Они служат подготовительным

материалом при создании произведений. С помощью этюдов конкретизируется

замысел произведения, прорабатываются детали, находятся цветовые и тоновые

решения натуры, а также способы и приемы письма. На первоначальном этапе

было сделано 3 этюда, решенные в приблизительной цветовой гамме и

написанные акварелью и гуашью.

Акварелью были написаны этюды с осенними и весенними пейзажами за

окном, потому что важнейшими свойствами акварельных красок являются

прозрачность, чистота цвета, мягкость тончайшего красочного слоя. Акварель

прекрасно передает ясность небесной лазури, серебро и легкость облаков,

игру водяных струй дождя, нежность цветочных лепестков, молодых зеленых

листьев. Возможности акварели широки – её краски то сочны и звонки, то

воздушны, едва уловимы, то плотны и напряжены. Акварель незаменима в

передаче стремительно меняющихся состояний природы, эффектов освещения и

яркий впечатлений. Ничем, на наш взгляд, кроме акварели невозможно было

передать свежесть впечатления от пробуждающейся природы и сиюминутность

желтизны и красоты золотой осени.

Для достижения выразительности были использованы различные техники

акварельной живописи, которые сочетались в одной работе – это приемы «по

сухому», «по сырому» и лессировка. Первый слой работ под условным названием

«Осень», «Весна» писался «по сырому», то есть перед нанесением красочного

слоя бумага смачивается с двух сторон водой. Этой техникой были написаны

весенние и осенние пейзажи за окном. Для окончания работы использовала

лессировку – наложение одного цвета на другой, работала почти сухой кистью,

которая обогатила цветовое и фактурное решение работ.

Этюд под условным названием «Зима» был выполнен в технике гуаши.

Выбор этой техники был не случаен, так как гуашь – краска непрозрачная,

плотная и, высыхая, она приобретает матовую бархатистость, что напоминает

фактуру снега. Гуашь содержит белила, которые так необходимы в передаче

зимнего состояния природы.

Завершив работу над тремя этюдами, обозначились названия трех работ:

«Первоосенье», «Зимний натюрморт», «Весточки весны». Эпиграфами к этим

Страницы: 1, 2