Курсовая работа: Импрессионизм и постимпрессионизм в изобразительном искусстве

Курсовая работа: Импрессионизм и постимпрессионизм в изобразительном искусстве

Пензенский Государственный Университет

Курсовая работа

по истории мирового искусства и литературы

на тему: “Импрессионизм и постимпрессионизм в изобразительном искусстве”

Выполнил: студентка 1-го курса Привалова Елена Валерьевна

Проверил: кандидат исторических наук, доцент Милаева Оксана Всеволодовна

2006

ПЛАН

Введение

1.  История импрессионизма

1.1 Живописцы барбизонской школы

1.2 История Салона отверженных

1.3 Возникновение импрессионизма

1.4 Рождение русского импрессионизма

2.  Художники – представители направления

2.1 Споры о “первооткрытии” импрессионизма

2.2 Творческий поиск Эдуарда Мане

2.3 Искусство Эдгара Дега

2.4 Живопись Огюста Ренуара

2.5 Клод Моне

2.6 Камиль Писсаро

2.7 Андерс Цорн

3. Стилевые особенности импрессионизма

3.1 Художественные находки живописцев XIX в.

3.2 Живописные приемы импрессионизма

3.3 Философия импрессионизма

4. Постимпрессионизм

4.1 Постимпрессионизм как концептуальное искусство

4.2 Мир Поля Сезанна

4.3 Винсент Ван Гог

4.4 Поль Гоген

4.5 Анри де Тулуз-Лотрек

4.6 Постимпрессионизм и новые течения в изобразительном искусстве

Заключение

ЛИТЕРАТУРА

ВВЕДЕНИЕ

импрессионизм изобразительный живописец художественный

Цели, задачи и методы исследования. Целью данного исследования является изучения импрессионизма и постимпрессионизма как переломных направлений в развитии мирового изобразительного искусства, а также влияние данных направлений на другие виды искусства и их роль в мировой культуре.

Предметом курсового исследования являются направления импрессионизма и постимпрессионизма в рамках мировой художественной культуры, а также совокупность произведений искусства, относящихся к данным направлениям.

Основная задача исследования – путем изучения истории развития направлений импрессионизма и постимпрессионизма, анализа присущей им изобразительной техники и приемов, а также философской концепции, лежащей в основе данных направлений, выяснить роль импрессионизма и постимпрессионизма в истории мировой художественной культуры.

Определение импрессионизма. Современная культура является детищем двух вариантов протестантского мировоззрения: северного иррационализма и французского позитивизма. Если первый в образах действительности пытается усмотреть признаки потустороннего мира (который на самом деле является отражением наработанных смыслов данной культуры), то второй сомневается в самой возможности увидеть что-либо, кроме собственных ощущений. С научной точностью пытаются воссоздать свои чувственные впечатления импрессионисты. Аналитический подход к собственной художественной деятельности позволил им совершить ряд открытий и сформулировать несколько принципов. [6]

Рис.1 К. Моне. Впечатление. Восход Солнца

Импрессионизм - направление в искусстве, возникшее во Франции в последней трети XIX века. [1] Возникновение этого направления знаменует рождение современной живописи в собственном смысле слова. Это утверждение может показаться странным, ибо живопись импрессионистов, легкая для восприятия, получила всеобщее признание, чего нельзя сказать обо всех течениях современного искусства. [3, с.254] Выработка нового стиля импрессионизма проходила в 60е - 70е гг., а впервые как новое направление, противопоставившее себя академическому Салону, импрессионисты заявили о себе на своей первой выставке в 1874 г. [1] У посетителей парижской выставки, организованной молодыми художниками, полотна, столь ценимые сегодня, вызывали настоящий шок. Импрессионисты были революционерами, выступавшими против официальной живописи, создававшейся целиком в стенах мастерской. Наперекор многовековой традиции они писали на открытом воздухе и отказались от исторических, религиозных и мифологических сюжетов; они изображали “повседневность”: простых горожан, танцовщиц из Парижской Оперы, гребцов, “впечатления” от природы. [3, с.255] В частности, на этой выставке экспонировалась картина К. Моне “Впечатление. Восход солнца” (“Impression. Soleil levant", 1872, музей Мармоттан, Париж). [1]

Отношение критики. Официальная художественная критика негативно отнеслась к новому направлению и в насмешку окрестила его представителей "импрессионистами", напоминая об особо раздражавшей их картине Моне. [1] Но в интерпретации искусствоведов феномен импрессионизма оказался волнующе загадочным: он то возникал, то исчезал, чтобы вновь возникнуть. Например, шведский искусствовед Оскар Рейтерсверд, напомнив давно известные факты, посетовал на того критика, который, побывав на выставке 1874 года, дал ход определению “импрессионисты”, и “художникам, группировавшимся вокруг Моне, было присвоено не совсем точное название, в дальнейшем вводившее всех в заблуждение”. [9 с.65] Однако название отражало суть направления, и его представители приняли его в качестве официального обозначения своего метода. [1] Более того, в 1880 году Клод Моне заявил: “Я был и хочу оставаться импрессионистом. Я сам изобрел это слово… Повторяю, я – импрессионист…” В 1877 году группа добровольно принимает название “импрессионисты” и решает издавать журнал “Импрессионист”. [8 с.366]

В качестве целостного направления импрессионизм просуществовал недолго - с 1874 по 1886 г., когда импрессионистами было организовано 8 совместных выставок. [1] Правда, уже с конца 1880-х годов формальные приемы их живописи были подхвачены представителями академического и салонного искусства, что дало повод Дега с горечью заметить: "Нас расстреливали, но при этом обшаривали наши карманы". [14] Официальное признание же ценителями искусства и художественной критикой пришло значительно позже - только в середине 90-х гг. [1] Импрессионизм продолжил начатое реалистическим искусством 40 – 60-х гг. освобождение от условностей классицизма, утвердил красоту повседневной действительности, простых демократичных мотивов. Он сделал эстетически значимой подлинную, современную жизнь в ее естественности, во всем богатстве и сверкании ее красок, запечатлевая видимый мир в присущей ему постоянной изменчивости, воссоздавая единство человека и окружающей его среды. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений. [5, с.262]

Разногласия искусствоведов. В сборнике “Французская живопись XIX века и современная ей художественная культура” произведено словесное обожествление импрессионизма, который или же отождествлен с понятием “реализм” как с формой наивысшего выражения потенций искусства (“в импрессионизме стягиваются, сходятся вместе, достигают единства основные направления передового искусства…”), или же растворен в бесформенном понятии “исканий”. Правда, в этом же сборнике воспроизведена известная работа Б. Виппера “Клод Моне”, где содержатся богохульственные с точки зрения общей концепции этого издания соображения о том, что “в погоне за мгновенностью первого впечатления Моне слишком многим жертвует, о слишком многом умалчивает”. Б. Виппер размышляет о “роковых ошибках” импрессионизма, что никак не увязывается с восторженными пассажами авторов соседних статей. Вот она, разноголосица, характерная для положения дел с импрессионизмом. Эта разноголосица имеет давнюю историю, можно сказать, что она сопровождает историю импрессионизма. Трудно, конечно, устоять перед обаянием Моне. Святотатством кажется мысль о какой бы то ни было ограниченности такого художника. Поэтому рассуждения о границах и об ограниченности импрессионизма могут показаться навязчивыми, доктриническими, или, как порой их называют, “догматическими”. Так предпочитал их именовать И. Эренбург в своем эссе об импрессионизме. [11 с.7] Он писал: “Поскольку слово “импрессионизм” связано с понятием впечатления, иные догматики старались приписать Моне или Ренуару философский субъективизм”. [12, с.174]

Итак, как же выбраться из этой крайней разноголосицы? Разумеется, вернуться к импрессионистам, уйти от их интерпретаторов, вернуться к изучению фактов и их анализу. Не случайно импрессионизм оценивается вполне импрессионистически – вне мировоззрения, философии, эстетики, времени, социального и художественного контекста. [11, с.8]

1. ИСТОРИЯ

1.1 Живописцы Барбизонской школы

Развитие французского искусства середины XIX века связано преимущественно с жанром и пейзажем, прежде всего с именами Коро и живописцев барбизонской школы. Это направление обязано своим названием деревне Барбизон, расположенной неподалеку от Парижа, на окраине лесов Фонтенбло. Непосредственно в ней жили лишь немногие художники (главным образом Руссо и Милле), но почти все пейзажисты того времени писали этюды в окрестных лесах.

Расцвет пейзажа был подготовлен всем развитием французской культуры и искусства. Тяга к природе, ко всему естественному, стремление противопоставить академическому направлению чувства простые и непритязательные отчетливо осознавались еще накануне французской революции. Создавая свой идеал свободного, "естественного" человека, Ж.-Ж.Руссо уже не мыслит его существования вне природы. Выражая подобные руссоистские настроения, Стендаль писал позднее: "Я с утонченной чувствительностью искал красивых пейзажей, исключительно ради этого я путешествовал. Пейзажи были смычком, игравшим на моей душе". [14]

На развитие пейзажной живописи Коро и барбизонцев большое влияние оказали "малые голландцы" и Констебл. В то же время она была естественным продолжением никогда, в сущности, не прерывавшейся линии развития французского пейзажа (Пуссен, Лоррен, Ватто, Фрагонар, Робер). Истоки барбизонской школы связывают также с творчеством художника рубежа XVIII-XIX веков Мишеля, во многом предвосхитившего их искания. [15]

Непосредственным предшественником барбизонцев был Камиль Коро (1796-1875). В ранний период творчества Коро много путешествовал по Франции и Италии. Он упорно работал над этюдами, с самого начала сознательно поставив себе задачу добиться передачи естественного освещения, не утратив при этом материальности предметов. Начиная с Рима, Коро пишет многие города, каждый раз стараясь передать их неповторимый индивидуальный облик. Он мог бы сказать, перефразируя слова своего современника Сильв. Щедрина, - "Рим заказал мне написать о себе портрет". В это время художник много рисует. Рисунок всегда был прочной основой его живописи и композиции, обычно продуманной, с четко разработанными планами, в которых сохраняются отзвуки классического кулисного построения. Зимой он пишет для Салона большие мифологические пейзажи, лето проводит в путешествиях. Особенно интересны его работы, выполненные в Венеции. В них соединяется свежесть живописи на пленэре с передачей материальности пейзажа. [14]

В начале 1850-х годов в творчестве Коро происходит перелом. В это время его обычно привлекают переходные или реже - бурные состояния природы. Стремясь добиться максимальной выразительности в пейзаже, он зачастую упорно разрабатывает один и тот же мотив, возвращаясь к нему по многу раз (например, "Порыв ветра"). Все больше внимания художник уделяет светоцветовому и тональному единству изображения. Он любил повторять: "Валеры прежде всего". Постоянное изучение природы, вечные поиски, умение обобщить увиденное посредством общего тона приводят к созданию знаменитой серебристо-жемчужной гаммы, которая отличает поздние пейзажи Коро. Тонкость цветовых нюансов в них поистине удивительна: в пределах суженной гаммы он добивается необычайного богатства оттенков. Даже после нескольких десятков сеансов в этюдах Коро сохраняется ощущение свежести и непосредственности впечатления - недаром его также называют предшественником импрессионистов.

Коро никогда не утрачивает отношения к природе как месту обитания человека. Это особенно заметно в его полных своеобразного лирического очарования жанровых и портретных работах, которые художник создавал на протяжении всей своей жизни.

Признанным главой барбизонской школы был Теодор Руссо (1812-1867). Он также исходил из пристального изучения природы, но, в отличие от Коро, скорее, был эпик и трезвый наблюдатель.

В работу над картиной Руссо вкладывал огромный труд, помногу раз переписывая один и тот же холст и стремясь каждый раз добиться максимального совершенства. Излюбленные мотивы его пейзажей - равнины, группы дубов, глухие деревенские улочки. Живописи Руссо свойственна большая материальность и конкретность. Это ее ведущее качество не противоречило передаче настроения в пейзаже. Художник достигал его, объединяя изображение общим тоном. Краски его картин сильно потемнели и сейчас трудно судить о колористических достижениях художника. [14]

Более лирическим складом отмечено дарование Шарля Франсуа Добиньи (1817-1878). Он предпочитал простые, обычно равнинные мотивы, любил писать воду и небо, умел подмечать самые тонкие, трудноуловимые оттенки цвета. Стремясь утвердить реалистический пейзаж как самостоятельный тип, он стал писать пейзажи большого размера. Добиньи больше, чем другие барбизонцы, работал на пленэре. Его колорит заметно просветляется. Достижения этого художника в области передачи цвета в изменчивых условиях световоздушной среды явились значительным вкладом в развитие французской живописи середины XIX века. [15]

К барбизонцам тесно примыкает Жан Франсуа Милле (1814-1875), подолгу живший в окрестностях Барбизона и писавший этюды вместе с Руссо.

Однако, если у Руссо и других мастеров этого направления жанровые мотивы играли подчиненную роль, лишь дополняя картину природы, в творчестве Милле крестьянский жанр занимает ведущее место.

Основная тема его искусства - жизнь французской деревни. Наряду с некоторой идеализацией патриархальных сторон сельской жизни он создает произведения, проникнутые отчетливо выраженным пафосом социального протеста ("Человек с мотыгой", 1863), а от простого изображения деревенских сцен переходит к созданию обобщенных монументальных образов ("Собирательницы колосьев", 1857). Важную роль играет в картинах Милле пейзаж. Он мыслит его как место труда человека. Как справедливо заметил один критик, "в лесах Милле не отдыхают, а трудятся". [14]

Ведущим мастером демократического этапа развития французского искусства середины XIX века был Оноре Домье, картины которого отсутствуют в наших собраниях. Более полно представлено у нас творчество другого значительного художника этого направления Гюстава Курбе (1819-1877). [14]

Ранние работы Курбе проникнуты романтическими настроениями. Однако очень скоро он переходит к изображению непосредственной реальности. Он пишет то, что было ему наиболее знакомо и близко - жизнь и быт крестьян и мелких буржуа. В картинах Курбе перед нами проходит галерея обитателей французской провинции.

Художник сознательно стремится к подчеркнутой монументальности, пишет их крупным планом, вплотную приближая к зрителю, укрупняя фигуры, обобщая и типизируя характеры. Его живопись становится ощутимо материальной, плотной, подчас тяжелой. Некоторый недостаток художественного воображения он искупал горячей приверженностью натуре. Не без влияния взглядов Прудона он посвящает себя изображению повседневной действительности, не только не стремясь приукрасить, но порой почти нарочито огрубляя ее. Реализм становится осознанной программой его творчества. В таких картинах, как "Похороны в Орнане" (1849) и "Дробильщики камня" (1849-1850), звучит протест против социальной несправедливости. [14]

Постепенно диапазон творчества Курбе расширяется. Наряду с тематическими полотнами он пишет портреты, пейзажи и натюрморты. И здесь ему зачастую удается с большей полнотой и поэтичностью раскрыть иные, более камерные и лирические стороны жизни. Достижения художника становятся особенно бесспорными рядом с несколько нарочитой аллегоричностью и назидательной риторикой его больших композиций. Долгое время картины Курбе воспринимались как открытый вызов буржуазному обществу. Когда позднее, в 1800-х годах, его искусство получает признание, художник демонстративно отказывается от официальных наград. После участия в Парижской коммуне он попадает в тюрьму и затем оказывается в изгнании до конца жизни.

Поиски в области пленэра приводят к новому расцвету пейзажа. Здесь следует упомянуть имя Эжена Будена (1824-1898), первого учителя К.Моне.

Уроженец Нормандии, он с юных лет впитал любовь к морю, влажному воздуху, высокому небу. Коро и Курбе называли его "королем неба".

Самым важным для пейзажиста Буден считал работу на открытом воздухе. Его этюды, на которых он обычно отмечал время и место их создания и состояние погоды, поражают точностью тональных отношений. Не случайно позднее он сблизился с импрессионистами и даже принимал участие в их первой выставке. [14]

1.2 История салона отверженных

Начиная с 1860-х годов среди двухтысячной армии художников, живших и работавших в Париже, поднималась волна недовольства. Отчасти предметом недовольства был собственно художественный истэблишмент, а не художественные идеалы, которых он придерживался и до некоторой степени навязывал. Недовольство подогревалось скрытой политической оппозицией умеренному авторитаризму правительства Наполеона III. Примешивались и чувства зависти и отчаяния, которые не мог не вызывать порядок отбора работ в Салоне, а для всех художников, какой бы школы они ни придерживались, Салон был единственной дорогой к успеху. Кризис произошел в 1863 году и стал не только катастрофой сам по себе, но для последующих поколений, в массовом воображении превратился в столь же значительное (и столь же банальное) событие, что и штурм Бастилии. [15]

В тот год жюри Салона установило срок подачи работ на конкурс с 20 марта по 1 апреля. Было подано свыше 5000 работ от 1430 художников, среди них Мане, Уистлера и Ионгкинда. Новые правила отбора (они были установлены после того, как жюри случайно отклонило работы, выполненные самими членами жюри) гласили, что правом входить в состав жюри пользуются все члены Академии и все получившие медали на предыдущих выставках. Это позволяло художникам, содержавшим школы-мастерские, возможность отдавать предпочтение своим ученикам. Обычно жюри находилось под контролем одного наиболее влиятельного члена жюри. В том году им был Эмиль Синьоль, учитель Ренуара по Школе изящных искусств, закоренелый приверженец самых строгих правил. К 5 апреля по всем кафе Батиньоля и Левого берега пошли слухи, что бескомпромиссное жюри отклонило 2783 работы у 442 художников, и, главное, что не все из них были революционерами из барбизонской школы; некоторые из отвергнутых работ были написаны художниками, которым покровительствовала сама Императрица. В общем, разразился скандал. 20 апреля выставку посетил Наполеон III, в сопровождении своего адъютанта генерала Лебёфа.

Ему показали некоторые из отвергнутых работ. Он нашел, что они мало чем отличаются от тех, что были приняты жюри. Император выступил с заявлением, напечатанным в газете "Le Moniteur Universel": "Император получил многочисленные жалобы в отношении произведений искусства, отвергнутых жюри Салона. Его Величество, желая дать возможность общественности прийти к собственному заключению о правомерности этих жалоб, решил, что отвергнутые произведения будут выставлены напоказ в другой части Дворца Индустрии. Выставка эта будет добровольной, и тем, кто не пожелает принять в ней участие, нужно будет лишь уведомить администрацию, которая незамедлительно возвратит им их работы". [15]

К 7 мая - крайнему сроку, к которому художники должны были принять решение о востребовании своих работ, - около 600 картин из представленных на суд жюри были возвращены их создателям. Как писал в "L'Artiste" Жюль Кастаньяри (1830-1888), великий поборник новаторства в искусстве, дело обстояло не так однозначно, как это могло показаться: "Известие привело парижские мастерские в состояние замешательства. Ликовали и обнимали друг друга. Но затем на смену восторгам пришло отрезвление. Что же теперь делать? Воспользоваться предложением и выставить свои работы? Это значит - решиться (и не без ущерба для себя) дать ответ на вопрос, подразумеваемый в самом решении, - отдать себя на суд публики, в случае, если работа признана явно плохой. И это значит поставить под сомнение объективность Комиссии и перейти на сторону Института не только в настоящее время, но и на будущее. А если не выставлять? Это значит - отдаться на суд жюри и таким образом, признав свою бездарность, способствовать росту его авторитета". [14]

Неофициально новую выставку окрестили Салоном Отверженных. Она открылась 17 мая в пристройке ко дворцу, украшенной столь же пышно, что и Салон. Чтобы избежать разногласий насчет места развески, работы располагались строго в алфавитном порядке - мера эта, хоть и рациональная, в зрительном отношении вызвала разнобой. Успех выставки был сногсшибательным: в первый день было 10 тысяч посетителей, и число не снижалось, притом, что собственно в Салон заходили куда меньше. Выставка представляла собой странную смесь картин. В одном ряду с батальными сценами и обнаженными девами висели работы еще малоизвестных новаторов: три полотна и три гравюры Мане, три полотна Писсарро, три - Йонгкинда и не числившиеся в каталоге работы Сезанна, Гийомена, Баркмона и Фантен-Латура. Всеобщий успех имела картина Уистлера "Девушка в белом". [15]

1.3 Возникновение импрессионизма

Дальнейшее развитие европейской живописи связано с импрессионизмом. Сейчас, когда горячие споры об импрессионизме ушли в прошлое, вряд ли кто решится оспаривать, что движение импрессионистов было дальнейшим шагом в развитии европейской реалистической живописи. "Импрессионизм - это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения реальной действительности" (В. Н. Прокофьев). Стремясь к максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской. [14]

Страницы: 1, 2, 3